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Beatte Harab raccoglie 11 recenti registrazioni di questo “banda per matrimoni” che si è ritrovata a fare virtù per necessità: rispetto ai due dischi precedenti c’è un riavvicinamento ai suoni della tradizione mauritana e l’utilizzo, assieme alle oramai celebri chitarre, di strumenti arcaici: ardin (arpa comunemente affidata al tocco femminile), tinidit (cordofono elettrificato) e qualche latta di thé o vaso di terracotta percossa fanno da tappeto alla voci aspre e ruvide di Halima Jakani e di Bashiri Touballi.

la miscela è ipnotica e obnubilante nonché balsamica per le membra agghiacciate dal novembre. in più, sapere che alcuni di questi canti sono intonati per non fare dimenticare completamente al mondo la questione del popolo Sahrāwī aiuta come può una coscienza insoddisfatta e avvilita (la mia).

l’operazione nata in seno alla Tectonic di Bristol, sotto l’egida del padrino dell’etichetta DJ Pinch (al secolo Rob Ellis), ha la lungimirante pretesa di lanciare un ponte fra quel dub oramai storicizzato (di cui sopra) e il futuro riservato alle vicende del battito profondo. e per far questo la figura più idonea è proprio quella dello scienziato Hopeton Brown, ragazzo di bottega ai tempi gloriosi giamaicani e oramai luminare californiano in attesa di una cattedra universitaria (magari).
l’operazione è naturalmente avvenuta nell’asettico laboratorio losangelino del nostro che si è visto recapitare 12 campioni di proto battito prelevati dall’eccelenza dei ricercatori di settore. lo stesso Pinch, King Midas Sound, Schakleton, Kode 9 e Jack Sparrow – per nominare quelli a me più noti – hanno offerto le loro composizioni alle manipolazioni di Scientists.
l’impasto è materico e profondo, di antica sapienza artigianale, lo spessore scavato e profondo dentro la densità del ritmo: la sapienza (la scienza) del manipolatore riporta sotto il microscopio (microsolco) la trama del suono, la sua tessitura e la sua natura essenziale.
l’apprezzamento del lavoro svolto necessiterebbe di subwoofer di superficie non inferiore all’ettaro così da spostare colonna vertebrale e parti cartilaginose verso quell’outer space a cui è rivolto il lavoro. in mancanza di questi sarà di certo gradita una piccola mappa d’orientamento con la freccia rossa ad indicarvi voi siete qui, ossia i 12 apostoli originali da cui ha avuto origine questa transustanziazione del suono originario: un rapido confronto renderà evidente come lo scienziato sia eccellentemente riuscito a trasbordare il dub verso l’altro spazio futuribile.
ora tocca a noi raggiungerlo.

confesso di non aver mai smesso di tendere l’orecchio alla ganga dei vari rapper che si sono susseguite vorticosamente negli ultimi anni, certo che quella stessa comunità afroamericana che partorì il blues, il jazz e (anche) il rock’n'roll andava tenuta d’occhio per sapere dove sarebbe andata a parare la storia della musica di questi anni duemila che già compiono un decennio.
non conosco certo gli acronimi di tutti i rapper, le loro vicende, e neppure gli stili che rimbalzano da costa a costa, ma so ancora distinguere un beat ed un flow, conosco l’effetto che mi possono procurare e la parentela di sangue con le musiche che hanno affollato il ’900.

così per il verso contrario e per il sovvertimento di certezze credute questo lavoro di Lil B (fino a ieri uno dei tanti nomi, lo devo ammettere) arriva a sferzare la mia curiosità e a sorprendermi per difetto: less is more. un lavoro di un rapper sciorinato in 14 declamazioni in cui splende l’azzenza di un solo beat, l’assenza di uno scratch e con la spia del campionatore rigorosamente spenta.
un sintetizzatore da modernariato sostiene lo spoken privato del ragazzo (21 anni) creando un contrasto talmente inopportuno da sembrarmi perfetto. pare ambient fatta male, new age di terza mano, ma l’egocentrismo del rapper ricuce questi svolazzi kitsch e li tiene assieme con la sfrontatezza e la sfacciataggine tipica degli idoli della comunità hip-hop.

nascita, morte, salute, ambiente, famiglia, odio, amore, business e naturalmente le amate donne sono le tematiche sulle quali si esprime il virgulto predicatore. opinioni con le quali non è certo rigorosamente necessario concordare: ma il disco si beve tutto d’un fiato e lentamente si insinua con i suoi riff orfani di beat ed il suo soul liofilizzato che rinviene e si gonfia a suon di parole del nostro giovinastro.
peace!

per questa sua magrezza sterile è un malsano piacere scoprire una nuova uscita del nostro per l’etichetta svizzera Hinterzimmer. il lavoro si intitola Ante-Mortem e svolge esattamente quella funzione spiazzante e destabilizzante che amplifica e fa ribollire la mia curiosità. ventitrè brani numerati progressivamente con numeri in lettere francesi più due untitled di cui si dirà dopo: un teatrino ambulante pronto a piantare le tende fra conniventi padiglioni auricolari. Tazartès è paragonabile solo a Tazartès, e per questo non verranno qui spese similitudini o tentativi di affiliazioni artistiche.

Ante-Mortem è una performance concreta di un funambolo della voce capace di saltabeccare fra toni acidi e urticanti e grevità baritonali. canta e recita in francese, tedesco, italiano, inglese e latino; in più sciorina un gramelot irriverente che attraversa le lingue del bacino mediterraneo oscillando dal richiamo del muezzin alle preghiere del pastore sefardita. parole scomode, iconoclaste, che farebbero inorridire il custode delle chiavi di San Pietro: non sarà difficile comprendere (per chi legge nella lingua dello scrivente) deliri dai contorni irriverenti.
gregoriani post-moderni, kyrie satanici, balbuzie malate, cingoli impuri adornano rock da camera e stridori d’avanguardia. c’è spazio per una cinematica destabilizzante e scomoda che inquieta tanto basta. per certi versi è inutile approfondire infedelmente la conoscenza del personaggio perché si rischia di rimbalzare in un’ossimoro di senso respingente per sua stessa vocazione. per chi volesse saperne di più in rete si trovano (poche) interviste, straordinarie foto della “torre d’avorio” parigina in cui si rifugia dal 1967 e naturalmente video di alcune performance live con diversi collaboratori e in solitaria, come a Madrid questo stesso anno…

dicevo degli ultimi due untitled che chiudono il disco per assaggiare l’imprevedibilità diabolica di Ghédalia Tazartès: il primo è un rosario in latino che declama l’Ave Maria su di un ritmo beat yéyé ad libitum, il secondo l’altra celebre Ave Maria (quella di Schubert) declamata in madrelingua con l’organo chiesastico che ciondola sotto un recitativo dal tasso alcolico annichilente. semplicemente straordinario.
amen

Sinestesie

Dal Vangelo Secondo Pier Paolo

Passione, Passione… Tanta Passione

La pittura del passato ha lo scopo di mettere in evidenza il presente, e di renderlo più “vero”. (Anonimo)

Forse non tutti guardando i film di Pier Paolo Pasolini si sono accorti di certe citazioni pittoriche che il regista amava fare, opere di Rosso Fiorentino, Mantegna, Giotto, Masaccio sono solo alcune di quelle che il regista inseriva nei suoi film. Pasolini nei suoi film eseguiva in realtà dei veri e propri tableaux vivants, giocando (forse) con il Sacro e con il Profano, come del resto ha fatto con la sua stessa vita. Trovo estremamente interessante la cura e la scrupolosità che Pasolini metteva nella ricerca dei colori, della luce, e nella scelta e nelle inquadrature dei volti, guardate qui in questa splendida riproduzione della Deposizione del Pontormo del 1526, decorazione della Cappella Capponi, custodita nella Chiesa di Santa Felicita a Firenze, dopo aver ironizzato coi figuranti usando un incredibile Orson Welles, come non trova il coraggio di far sentire la voce incazzata della Madonna… Sarà stata una forma di rispetto per la squallida Chiesa Cattolica? O in realtà li prendeva solo per il culo?

E’ il tema della sacralità comunque a farla da padrone in queste rappresentazioni cinematografiche che reputo veramente troppo riduttivo chiamare semplicemente citazioni. Mi riferisco a quella sacralità che è presente in tutte le opere dei grandi Uomini, dei grandi Artisti, e dei grandi Intellettuali, di quegli uomini che con la loro vita hanno contribuito a migliorare l’umanità, a sviluppare l’intelligenza, a tracciare sentieri luminosi verso il progresso della vita di tutti Noi, e non a quella sacralità che la chiesa e le religioni hanno costruito “ad arte” per rimpinguare i loro forzieri, per forgiare individui passivi, nocivi, dediti solo al consumismo del “turbocapitalismo”, autentici vermi che vivono e si nutrono della merda che è il loro stesso universo, e dove saranno costretti a morire biologicamente.
Ma ora accomodatevi pure da questa parte Siòre e Siòri, ammirate pure qui in basso questa deliziosa e incantevole riproduzione della Deposizione dalla Croce di Rosso Fiorentino del 1521, pittore tra l’altro tra i miei preferiti del ’500, insieme con Caravaggio tra i pittori più anarchici della storia della Pittura (ne riparleremo), che potrete ammirare dal vivo nella Pinacoteca Civica di Volterra. Godetevi pure questa gemma cinematografica, accompagnata dall’immancabile Scarlatti e dai sublimi versi del Pianto della Madonna dell’immenso Iacopone da Todi, uno dei più grandi Poeti del Medioevo autore di numerosi Laudi e …fate attenzione all’espressività dei volti!

…Figli della Smarrita …Figli della Sparita …Figli Attussecati!!

…e poi …nella notte tra l’ 1 e il 2 Novembre del 1975, su una spiaggia all’idroscalo di Ostia, me l’hanno brutalmente massacrato di botte, ucciso a colpi di bastone e travolto con la sua stessa auto, me lo hanno ammazzato con inaudita ferocia. E vorrebbero farmi credere che sia stato Pino Pelosi, ragazzo di vita diciassettenne della periferia di Roma! Qualche mese fa, poi, quel grande bugiardo di Kossiga, è andato a concimare la terra per i vermi portandosi via con sé “anche” questo segreto, ed ora è rimasta una sola persona che può raccontare la verità. Giulietto er gobbetto. Forza Giuliè… Prima di schiattare… Sputa ‘sto rospo! Sputa er rospo Giuliè! Che tu sia Maledetto! Maledetto da Diooo!!

spero che il nome speso, quello di Francesconi,  non giunga completamente nuovo: il ragazzo statunitense (1974) ha legato i suoi ultimi impegni al sostenimento della Ys Street Band e più di recente alla realizzazione (e magniloquente produzione) di quel Have One On Me che impegnerà i nostri prossimi anni per poterlo abbracciare e, al fine, penetrare appieno.
Joanna Newsom è il nome che in effetti dovrebbe saltare in mente, ma più in particolare dovrebbe acuirsi l’interesse per l’artefice di quelle trame sottese al triplo album che monopolizzerà le classifiche di fine anno (e degli anni a venire, aggiungerei).

Parables esce per la stessa Drag City della quale la Newson e altri alfieri assai noti rappresentano le punte di diamante, e, per certi versi, potrebbe constare nel taccuino di appunti del quale si è servito il nostro per disegnare le architetture che sostengono quel triplo prisma che è l’ultimo lavoro della fascinosa donzella. acustica in essenza ed in purezza registrata in presa diretta, senza sovraincisioni e senza “inganni”. accordature aperte, diteggiature astruse ed una tavolozza che prescinde assai dalla tradizione folclorica puramente americana: abbandonate le contaminazioni post-rock e le frequentazioni ambientali minimalistiche dei primi dischi con l’acronimo RF, il nostro si abbandonato agli spifferi balcani e allo studio di barocche tablature per liuto, qualche tocco di folk jazz e tanta lungimiranza che verrà ponderata coscientemente negli ulteriori ascolti.
ne esce un lavoro difficilmente inquadrabile e che a tratti mi fa banalmente pensare ad un amato giovanotto di Tanworth-in-Arden, ma non è giusto ridurre il tutto a questo solamente. rubo così le parole della stessa Newsom che ha tentato di raccogliere note e pensieri in questa sua considerazione:

“Ryan Francesconi is one of the most awe-inspiring musicians I’ve known. On “Parables,” he distills his many realms of artistry [...] into a beautifully minimalist, poetic, intricate, emotionally realized study of themes, variations, organic counterpoint, and such devastating forays into fractal-metric out-lands that it is nearly impossible to believe he’s picking those strings with just one hand. This is solo music that sounds like an ensemble, an ecstatic and measured reconciliation of West African / Balkan / Baroque / bluegrass influences, which ultimately resembles nothing I know.”

che lo si ami o meno l’autunno è qui: affrontarlo con questo disco potrà sembrare meno gramo o apprezzarlo davvero per ciò che è.

la mia curiosità per le “altre” musiche di questo globo gode indecendemente soddisfatta all’ascolto di questo disco, gode e si affanna ad afferrare appigli grammaticali che mi consentano di ricondurre queste canzoni (salmi? meditazioni? preghiere? o soltanto folk songs?) al mio scibile consueto. forse non è questo ciò che si deve fare o forse è semplicemente inevitabile. forse non andrò mai a Tuva ma dopo aver ascoltato disco non posso dire di non averla immaginata.

così come non giurerei che quello qui sopra ripreso sia esattamente il nostro uomo che suona per strada nella capitale Kyzyl. così vi è scritto: ma come esserne certi? l’esploratore da sofà che si annida in me ha cercato oltre è si è imbattuto in questo  breve documentario sulle tecniche vocali di Tuva.
quell’uomo in camicia gialla seduto meditabondo a fianco del suo accordeon in una bucolica scena con ruscello non può che essere lui.
Mr.Oidupaa Vladimir Oiun, I suppose!

buon ascolto

Oidupaa Vladimir Oiun Divine Music From a Jail

nel nuovo Sun Rooms (Delmark, 2010) lo troviamo in piacevole compagnia di Nate McBride al basso e di Mike Reed alla batteria. ed è una meraviglia di trio, nella più classica e jazzistica accezione del termine.
e in effetti spifferi di neoclassicismo soffiano a più riprese sulle scorribande dei tre: si respirano istanti gloriosi della grande epopea di questa musica, e malgrado questo, non ci si potrebbe confendere nel percepire questo lavoro come un disco jazz dell’anno 2010.
la stessa scelta di alcuni standard (o cover che dir si voglia) rafforza la sensazione: Warm Valley viene dalle sacre scritture di Duke Ellington, Overtones of China è una delizia del reverendo Sun Ra, mentre Off My Back Jack è un doveroso omaggio al pianista Hasdaan Ibn Ali che passò come una meteora al fianco di Max Roach. le restanti cinque tracce sono composizioni originali che illuminano il corallario di un lavoro in piacevole equilibrio fra modernità e classicità.
la mia percezione dell’interplay dei tre porta il disco verso atmosfere notturne malgrado il titolo radioso e pieno di luce. credo sia solo una deformazione mia legata al suono di uno dei più talentuosi vibrafonisti in circolazione. ciascuno lo collochi nello spazio giorno o nella zona notte: l’importante è che Jason sia tornato a casa.

difficile togliermi dalla testa che Fat Man Blues non possa che essere dedicata a Roscoe “Fatty” Arbuckle o che fra i sogni di celluloide di Marc Ribot non vi siano le pellicole di Jim Jarmusch o di Aki Kaurismäki (quelle future, sia ben chiaro). sono solo supposizioni che lasciano il tempo che trovano e nulla aggiungono all’intima bellezza di questa operazione che vede Ribot in solitaria compagnia della sua chitarra e di (poche) impercettibili sovraincisioni rubate da registrazioni di campo o direttamente da colonne sonore misteriose.
toccherebbe a qualche regista coraggioso procedere a rovescio e ricostruire una trama e delle visioni adagiandole sull’immaginifico di queste melodie, lavoro forse difficile o di per sé inutile. inutile perché questo cinematografo per orecchie non richiede altro che un accomodarsi confortevole e l’ascolto vivifico e rapito.
a quello, senza altre ciance, preferisco lasciare, ma non senza aver prima spudoratamente dichiarato che Postcard from N.Y. è una delle emozioni più care che la musica mi abbia regalato negli ultimi tempi.
buona visione.